Víctor Quijada es bailarín, coreógrafo y director de la compañía de danza Rubberband. Esta compañía nació hace más de veinte años en Montreal, Canadá. Como parte del Festival de Mayo en Guadalajara, presentaron por primera vez en Latinoamérica su obra Reckless Underdog (2023) en el Teatro Degollado. Desde sus primeros pasos en Los Ángeles hasta las calles de Montreal, y ahora de visita en México, Víctor Quijada se siente emocionado de ser un puente entre estos países a través de la danza. Platicó con nosotros sobre esto y más.

Benjamín Torres: ¿Nos podrías contar del método Rubberband? ¿Cuál fue el proceso por el que llegaste a él? ¿Qué es lo que querías transmitir?

Víctor Quijada: El método Rubberband nació de la pregunta: ¿cómo puedo transmitir lo que conocía en mi cuerpo a los bailarines con los que trabajaba? Les pedía que hicieran coreografías usando herramientas del b-boying, popping, y otros estilos hip hop y baile callejero, pero también herramientas clásicas y contemporáneas. Era necesario desarrollar una forma de entrenar a los nuevos bailarines de la compañía, y así surgió el método.

En ese momento trabajaba con ellos para analizar qué pasaba en mi cuerpo, cómo funcionaban las estructuras del break, y cómo preparar a alguien con formación clásica para ejecutar movimientos de mi coreografía sin lastimarse. También, para los bailarines con experiencia en b-boying, cómo podían adaptarse a movimientos más clásicos o al trabajo en pareja que desarrollamos, que es algo único.

El método Rubberband sirve para entrenar tanto a nuevos bailarines como a los que ya están en la compañía, para explorar nuevos terrenos y descubrir los límites de lo que hacemos. Utilizamos mucho la creatividad y la improvisación. En el método, cada bailarín, cada participante que recibe estas herramientas es muy importante. Esperamos que sean llaves para abrir puertas, para ir más allá de donde están en ese momento.

BT: ¿El método Rubberband sigue evolucionando, sigue adaptándose?

VQ: Hay una continuación. Desarrollar más el método, descubrir más del método, es como desarrollarme más yo mismo como coreógrafo, como creador. De hecho, hubo unos diez años donde trabajé en entender: ¿qué es la información? Y sentí que el método ya estaba listo, como si ya lo hubiera terminado.

Pero después de unos años surgió la pregunta: ¿cuál será la próxima etapa? Con cada nueva creación fue como explorar; explotar la pared de atrás y abrir y explorar, investigar. Y el método se hizo más grande y en la siguiente pieza también: ¿qué pasa si usamos estas reglas o filosofías del método para hacer cosas diferentes? Así fue creciendo, creciendo como yo crecía, como la compañía crecía.

Hasta ahora, los miembros de la compañía se entrenan con él para romper las paredes, para ir más adelante de lo que conocemos en este momento.

BT: ¿Cómo eres en cada una de tus facetas: bailarín, coreógrafo, director?

VQ: A los catorce, quince años, joven, adolescente, me interesé mucho en el teatro. Y tuve un maestro que abrió muchas posibilidades para mí. Me tocó ser joven actor y estar enfrente de la cámara. Y años después, cuando estaba en la escena como bailarín, había un aspecto teatral, había un aspecto fílmico. En diferentes compañías, por alguna razón siempre observaba mucho a los directores. Me preguntaba: ¿qué es un buen director? ¿Qué es ser un director que no es tan bueno?

No sé de dónde salieron esas preguntas. Tal vez de observar a mis padres y cuestionarme: ¿están haciendo un buen trabajo ahora? ¿Qué es ser un buen padre? ¿Qué sería ser un buen padre? Esas mismas preguntas las aplicaba como bailarín en ese tiempo. Aunque son roles diferentes -director, bailarín, coreógrafo-, lo que me ha ayudado es que cada experiencia alimenta la siguiente. Creo que esto aplica para todos: los fracasos y éxitos te llevan más allá, incluso cuando cambias de rol, cuando te pones “otra cachucha”.

En mi caso, siempre miro mis experiencias anteriores para tener éxito en lo que sigue. Nunca fui a la universidad; mi entrenamiento ha sido en el trabajo, en el día a día. Cuando no sé cómo hacer algo, me pongo a estudiar, a analizar mis propias experiencias. Son como herramientas que están ahí, listas para usar.

BT: Fundaste tu propia compañía, ahora tiene veinte años de existencia. ¿Cómo ha sido ese proceso? ¿Por qué decidiste ser líder de una compañía de danza?

VQ: Lo que sentí en ese momento era que era urgente y necesario. Estamos hablando de los años 1999, 2000, 2001. En esa época, la danza callejera y la cultura hip hop, las tendencias dancísticas que trajo la cultura hip hop, no tenían el mismo reconocimiento que el ballet clásico, lo moderno o lo contemporáneo.

Mi historia era particular: empecé como b-boy y luego pasé a la danza moderna, posmoderna, contemporánea y clásica. Quería unificar todas estas influencias, pero en ese tiempo era muy raro encontrar alguien con mi trayectoria. Hoy es menos raro, pero entonces, si quería experimentar e investigar cómo conectar estas diferentes influencias, tenía que crear mi propio proyecto. Necesitaba inventar un espacio, conseguir un laboratorio para estas investigaciones, porque simplemente no existía.

En estos veinte años han pasado muchas épocas, muchos capítulos diferentes. Lo que vivo hoy con Rubberband es muy distinto a lo que vivía en 2002 cuando empecé la compañía. Es interesante ver estos diferentes capítulos. Cuando hablan de mi currículum o resumen, mencionan los éxitos, pero también hubo muchos fracasos. Viví todos esos altos y bajos, y como dije, llevo esas experiencias conmigo para crecer, mejorar y seguir desarrollando lo que puedo.

En esa época, la danza callejera y la cultura hip hop, las tendencias dancísticas que trajo la cultura hip hop, no tenían el mismo reconocimiento que el ballet clásico, lo moderno o lo contemporáneo.

Víctor Quijada

BT: Y luego nace Reckless Underdog. ¿Qué elementos físicos y narrativos conforman esa obra? ¿Cómo ha sido su recepción desde que la estrenaste?

VQ: La estrenamos en 2023. Desde mi punto de vista, la pieza ha crecido mucho. Es como una obra de teatro. A veces tienes que presentarla, recibir la vibración, la energía del público, y eso te ayuda a darle más sentido a lo que estás interpretando. En estos dos años la hemos presentado en Estados Unidos, Alemania y ahora aquí en México. Ha evolucionado mucho. Es una obra muy diferente a todo lo que habíamos hecho en los primeros veinte años de la compañía.

En esta obra, por primera vez, en lugar de tratar de mezclar y construir un puente donde el ballet clásico y lo urbano coexistieran, rompí esas diferentes experiencias. Es un tríptico, una obra en tres actos: El primer acto es ballet clásico filtrado por Rubberband. El segundo acto es danza teatral a través de ese filtro. El tercer acto es un homenaje a la danza callejera con ese mismo filtro.

No es ballet clásico puro en escena, ni hip hop puro. Es volver a los elementos que yo practiqué, pero con toda la información acumulada en estos veinte años de compañía. Es regresar y ver cómo me encuentro ahora con esos elementos que conocí en el pasado.

BT: Como creador, ¿cuál es tu papel y qué papel le das a la audiencia al momento de crear? Es decir, ¿cómo balanceas tu visión como creador con la recepción del público?

VQ: Pienso en cómo soy hoy versus cómo era cuando empecé la compañía. Al principio tenía un rechazo completo a presentar en teatros. Después de siete, ocho años como profesional en grandes teatros, quería volver a lo inmediato de los clubs donde bailé de adolescente.

En los clubs no hay escenario fijo, bailas donde sea, se forma un círculo. Estás observando pero también estás listo para participar. Yo estuve en un teatro, un lugar muy grande, y no podía producir esa energía donde se sientan personas a ver una obra. Por eso los primeros proyectos de Rubberband y mis investigaciones coreográficas fueron en espacios alternativos, afuera de los teatros. Con los años fui descubriendo qué funcionaba.

Ahora, presentar en el Teatro Degollado (una ópera house) es interesante. En diferentes sitios, diferentes anticipaciones. Si estamos en un sitio pequeño donde al público lo pueda ver, lo puedo tocar, pues es otro objetivo. Hay otras alternativas. Si es en un teatro de ópera donde están lejos y hay tres balcones, hay que tocarlos de otra manera, el elemento espectacular. 

Para mí es traer los dos aspectos: lo espectacular y lo íntimo. En Reckless Underdog tiene ese elemento de espectacular, pero también de íntimo. Creo que logré guardar lo que me interesaba de lo íntimo en una casa de ópera.

BT: ¿En la actualidad el público está más interesado o qué herramientas están utilizando para que se sigan manteniendo vigente las obras de danza?

VQ: Siempre me ha interesado el cine como medio para presentar danza, es un formato distinto al teatro, con herramientas diferentes. Estoy interesado en presentar mi danza en la pantalla. En el teatro, como en la iglesia, hay algo único: trescientas, quinientas, a veces miles de personas reunidas, todas concentradas al mismo tiempo en la misma cosa. En nuestros espectáculos, tenemos el privilegio de estar junto a cientos de personas concentradas en un momento de contacto o de ruptura. Eso no se vive de otras maneras si no es en vivo.

No sé qué traerá el futuro, tal vez todo vaya hacia lo digital, hacia la inteligencia artificial. Pero sé que he sido parte de algo muy especial que ocurre en los teatros a través de mis obras. 

BT: Tienes raíces mexicanas, has vivido también en Nueva York y ahora en Canadá. ¿Podrías darnos un panorama de cómo se encuentra la danza mexicana a comparación de lo que has vivido en el extranjero?

VQ: Hasta 2012, cuando Rubberband hizo su primera gira en México, fue cuando realmente descubrí lo desarrollada que estaba la danza contemporánea aquí. Me sorprendió gratamente. No sé si es cuestión de promoción, pero en ese tiempo noté que había muchos recursos enfocados en difundir la danza dentro del país, más que en llevarla al extranjero. No sé cómo habrá cambiado en estos últimos diez, doce años.

Cada vez que vengo a México, me impacta mucho la identidad mexicana a través de la danza. Veo las influencias de Europa, Alemania. Hay conexiones con diferentes partes del mundo a México. Quizá ahora yo mismo soy parte de esa conexión con Canadá. Estar aquí representando a Canadá en este festival en Guadalajara es un momento lleno de orgullo y emoción.

No soy una autoridad para hablar del estado actual de la danza en México. Estaré aquí tres semanas dando talleres en Guadalajara y CDMX, con la esperanza de compartir conocimientos y hacer y mantener conexiones.

En nuestros espectáculos, tenemos el privilegio de estar junto a cientos de personas concentradas en un momento de contacto o de ruptura.

Víctor Quijada

BT: ¿Algún consejo para jóvenes que quieran dedicarse a la danza o explorar el extranjero?

VQ: Les diría: “Sigan. Sigan adelante. A veces se siente que hay cosas fuera de tu control que te limitan, pero tú eres responsable de lo que puedes hacer”. A los trece, catorce, quince años pasaba cinco horas diarias bailando solo en un cuarto atrás de mi casa, sudando, practicando. Mi primera clase formal de baile fue hasta los dieciséis o diecisiete años en una escuela de artes. Pero ya llevaba diez años entrenándome por mi cuenta: estudiando videos, aprendiendo de compañeros en el barrio, compartiendo movimientos.

Les diría: “Sigue haciendo lo que puedas”, y las puertas se abrirán. Tal vez suene inocente o ingenuo pensarlo así, pero somos responsables de la energía que ponemos adelante.

Víctor Quijada, director of Rubberband: “Instead of trying to blend and build a bridge where classical ballet and urban dance could coexist, I shattered those distinct experiences.“

Víctor Quijada is a dancer, choreographer, and director of the dance company Rubberband. The company was founded over twenty years ago in Montreal, Canada. As part of Guadalajara’s Festival de Mayo, they presented their work Reckless Underdog (2023) for the first time in Latin America at the Teatro Degollado. From his early days in Los Angeles to the streets of Montreal, and now visiting Mexico, Víctor Quijada feels excited to serve as a bridge between these countries through dance. He spoke with us about this and more.

Benjamín Torres: Could you tell us about the Rubberband Method? How did you develop it, and what did you want to convey through it?

Víctor Quijada: The Rubberband Method emerged from the question: How can I pass on what I knew in my body to the dancers I worked with? I asked them to create choreography using elements of b-boying, popping, and other hip-hop and street dance styles, but also classical and contemporary techniques. It became necessary to develop a way to train new company dancers—and that’s how the method came to be.

At the time, I worked with them to analyze what was happening in my body, how breaking structures functioned, and how to prepare classically trained dancers to execute movements from my choreography without injuring themselves. Similarly, for b-boys, it was about adapting to more classical movements or the partner work we developed, which is quite unique.

The Rubberband Method trains both new dancers and company members to explore new territories and push the boundaries of what we do. We heavily incorporate creativity and improvisation. In the method, every dancer, every participant who receives these tools, is vital. We hope these tools become keys to open doors—to go beyond where they are in that moment.

BT: Is the Rubberband Method still evolving, still adapting?

VQ: There’s a continuation. Developing the method further, discovering more about it—it’s like developing myself further as a choreographer, as a creator. In fact, there were about ten years where I worked on understanding: What is this information? And I felt the method was ready, as if I’d already completed it.

But after a few years, a new question emerged: What will the next stage be? With each new creation, it was like exploration—breaking through the back wall, opening up, investigating. The method grew larger, and in the next piece too: What if we use these rules or philosophies of the method to do different things? That’s how it kept growing, just as I grew, just as the company grew.

To this day, company members train with it to break through walls, to go beyond what we know at this moment.

BT: How do you approach each of your roles: dancer, choreographer, director?

VQ: When I was fourteen or fifteen—young, a teenager—I became very interested in theater. I had a teacher who opened many doors for me. I got to be a young actor in front of the camera. Years later, when I was onstage as a dancer, there was a theatrical aspect, a cinematic aspect to it. In different companies, for some reason, I always observed the directors closely. I’d ask myself: What makes a good director? What does it mean to be a director who isn’t as good?

I don’t know where those questions came from. Maybe from watching my parents and wondering: Are they doing a good job right now? What does it mean to be a good parent? What would being a good parent look like? I applied those same questions as a dancer back then. Even though they’re different roles—director, dancer, choreographer—what’s helped me is that each experience feeds into the next. I think this applies to everyone: your failures and successes push you further, even when you switch roles, when you put on “a different hat.”

In my case, I always look back at my past experiences to succeed in what comes next. I never went to college; my training has been on the job, day by day. When I don’t know how to do something, I start studying, analyzing my own experiences. They’re like tools, ready to be used.

BT: You founded your own company—now twenty years old. What has that process been like? Why did you decide to lead a dance company?

VQ: At the time, it felt urgent and necessary. We’re talking about the years 1999, 2000, 2001. Back then, street dance and hip-hop culture, the dance trends that emerged from it, didn’t have the same recognition as classical ballet, modern, or contemporary dance.

My story was unique: I started as a b-boy, then moved into modern, postmodern, contemporary, and classical dance. I wanted to unify all these influences, but at the time, it was rare to find anyone with my background. Today it’s less unusual, but back then, if I wanted to experiment and explore how to connect these different influences, I had to create my own project. I needed to invent a space, to establish a laboratory for this research—because it simply didn’t exist.

These twenty years have held many eras, many distinct chapters. What I’m experiencing now with Rubberband is completely different from 2002, when I started the company. It’s fascinating to reflect on these phases. When people summarize my career, they mention the successes, but there were also many failures. I’ve lived through all those highs and lows, and like I said, I carry those experiences with me—to grow, improve, and keep developing what I’m capable of.

At that time, street dance and hip-hop culture – the dance trends that emerged from hip-hop – didn’t carry the same recognition as classical ballet, modern, or contemporary dance.

Víctor Quijada

BT: And then Reckless Underdog was born. What physical and narrative elements make up this work? How has it been received since its premiere?

VQ: We premiered it in 2023. From my perspective, the piece has grown tremendously. It’s like a theater play—sometimes you have to perform it, absorb the audience’s vibrations and energy, and that helps deepen your understanding of what you’re interpreting. Over these two years, we’ve presented it in the U.S., Germany, and now here in Mexico. It has evolved significantly. This work is completely different from anything we created during the company’s first twenty years.

Here, for the first time, instead of trying to blend and build a bridge where classical ballet and urban dance could coexist, I shattered those distinct experiences. It’s a triptych, a work in three acts: The first act is classical ballet filtered through Rubberband’s lens. The second is theatrical dance through that same filter. The third act is an homage to street dance, again through this perspective.

It’s not pure classical ballet onstage, nor pure hip-hop. It’s about revisiting the elements I once practiced, but with all the knowledge accumulated over these twenty years with the company. It’s a return—to see how I now engage with those elements I once knew in the past.

BT: As a creator, what role do you play, and what role do you assign to the audience when creating? In other words, how do you balance your artistic vision with audience reception?

VQ: I reflect on who I am today versus who I was when I started the company. At first, I completely rejected performing in theaters. After seven or eight years as a professional in grand theaters, I wanted to return to the immediacy of the clubs where I danced as a teenager.

In clubs, there’s no fixed stage—you dance anywhere, a circle forms. You’re observing but also ready to participate. I’d been in a theater, a massive venue, and couldn’t replicate that energy of people seated to watch a show. That’s why Rubberband’s early projects and my choreographic research happened in alternative spaces, outside theaters. Over time, I discovered what worked.

Now, performing at the Teatro Degollado—an opera house—is fascinating. Different venues invite different expectations. In an intimate space where I can see and even touch the audience, the goal shifts. Other possibilities emerge. In an opera house, where they’re distant, with three tiers of balconies, you must reach them differently—through spectacle.

For me, it’s about bringing both aspects together: the spectacular and the intimate. Reckless Underdog has that element of spectacle, but also of intimacy. I believe I managed to preserve what fascinated me about intimacy within an opera house setting

BT: Is today’s audience more engaged with dance? What strategies are being used to keep dance works culturally relevant?

VQ: I’ve always been drawn to film as a medium for dance—it’s an entirely different language than theater, with its own unique tools. I’m particularly interested in adapting my choreography for the screen. Yet theater possesses something sacred, almost church-like: three hundred, five hundred, sometimes thousands of people gathered together, all completely focused on the same moment. In our performances, we’re granted this extraordinary privilege—sharing space with hundreds of audience members completely immersed in those electric instances of connection or disruption. That collective energy simply can’t be replicated outside of live performance.

Who knows what the future holds? Perhaps everything will migrate to digital platforms, to artificial intelligence. But I do know this—through my work, I’ve participated in something truly extraordinary that only happens within the walls of theaters.

BT: You have Mexican roots, have lived in New York, and now reside in Canada. Could you give us your perspective on how Mexican dance compares to what you’ve experienced abroad?

VQ: It wasn’t until 2012, when Rubberband first toured Mexico, that I truly discovered how developed contemporary dance was here. I was pleasantly surprised. I don’t know if it’s a matter of promotion, but at the time, I noticed many resources were focused on spreading dance within the country rather than exporting it abroad. I’m not sure how things have changed in the last ten or twelve years.

Every time I return to Mexico, I’m struck by how Mexican identity shines through dance. I see influences from Europe, from Germany—connections between Mexico and other parts of the world. Maybe now I’m part of that link with Canada. Being here representing Canada at this festival in Guadalajara fills me with pride and excitement.

I’m no authority on the current state of dance in Mexico. I’ll spend three weeks here teaching workshops in Guadalajara and Mexico City, hoping to share knowledge and forge—or rekindle—connections.

In our performances, we’re granted this extraordinary privilege—sharing space with hundreds of audience members completely immersed in those electric instances of connection or disruption.

Víctor Quijada

BT: Any advice for young people who want to pursue dance or explore opportunities abroad?

VQ: I’d tell them: “Keep going. Push forward. Sometimes it feels like things beyond your control are holding you back, but you’re responsible for what you can do.” At thirteen, fourteen, fifteen, I’d spend five hours a day dancing alone in a room behind my house—sweating, practicing. My first formal dance class wasn’t until I was sixteen or seventeen, at an arts school. But by then, I’d already trained myself for ten years: studying videos, learning from friends in the neighborhood, sharing moves.