Como parte del ciclo de conciertos de los NY Jazz All Stars en Guadalajara, tuve la oportunidad de hablar con el músico Julian Lee, uno de los saxofonistas más solicitados de su generación y una nueva voz prometedora en la escena del jazz. 

Diego Sicilia: Cuéntanos sobre tus orígenes como músico de jazz y cómo te trasladaste al entorno universitario. ¿Cuáles fueron tus primeros pasos que te llevaron al programa de la Universidad de Juilliard?

Julian Lee: Mis padres son músicos. Mi papá es saxofonista y mi mamá es violinista clásica. Vi a mi papá tocar en un club local en Montclair, Nueva Jersey, de donde soy, un lugar llamado Trumpets, que desde entonces ha cerrado. Pero tocaba con el gran baterista Billy Hart, alguien a quien he tenido la suerte de conocer a lo largo de mi vida. Tenía siete años, y algo en esa actuación me dijo: “Quiero tocar el saxofón”.

Siempre estaba escuchando cosas en casa, pero para cuando tenía unos catorce años, creo que sabía que quería ser músico. Ha sido un viaje increíble. Tengo muchos tíos y tías músicos, amigos de mi papá, personas que literalmente me cuidaban cuando era un niño pequeño. En algún punto terminas tocando en un concierto con alguien. Si mi papá no podía hacer un concierto, yo lo reemplazaba y viceversa. 

Definitivamente diría que esa conexión que mi padre tiene con la escena, y lo que ha estado haciendo durante cuarenta años en Nueva York, fue mi verdadera introducción a la escena del jazz. 

Luego, por supuesto, cuando fui a Juilliard, en Nueva York, comencé a salir y escuchar a gente tocar. Iba a diferentes clubes y conocía a personas por mi cuenta. Solo ir y escuchar a las personas que realmente quieres escuchar, la música que te atrae y te inspira. Después escuchas grabaciones por tu cuenta, y más tarde conoces a las personas que realmente quieres ver, eso es lo que he estado haciendo.

DS: Desde mi perspectiva fuera del jazz, parece que gran parte de la escena se basa en valores de colaboración y hermandad. Lo cual es evidente en el hecho de que los músicos siempre están colaborando entre ellos en diferentes proyectos, pero también enseñan a las nuevas generaciones. ¿Crees que estos valores siguen siendo predominantes en la escena? ¿Dónde están enraizados y cómo se fomentan?

JL: El noventa y nueve por ciento de las veces la gente es realmente buena y quiere apoyarte. Especialmente si demuestras que realmente estás comprometido, que te importa la música y vienes desde el lugar correcto. Nunca he tenido a alguien que realmente me dijera: “Lo siento, no puedo, no tengo tiempo”. Así que primero que todo, esa generosidad, esa generosidad de espíritu, realmente habla de la naturaleza misma de la música. Está destinada a ser compartida y transmitida, y la gente la mantiene viva. 

Tenemos grabaciones que son esenciales. Fueron hechas por personas para otras personas. Y no hay nada que se compare con escuchar esta música en vivo. Esta música es relativamente joven. Jazz o música negra americana, que definitivamente merece ese nombre. Fue creada por los afroamericanos. En aquellos tiempos en que las personas ni siquiera tenían derechos, aún así nos dieron este increíble regalo. 

En aquellos días, esa era la única forma de comunicar esto, no había una escuela de jazz. Había un bar, un lugar, un club, y eso era lo que se hacía un viernes por la noche. Ibas al club de jazz, ibas a bailar, a conocer gente, a beber y a pasar un buen rato. Pero si eras un músico interesado, también estabas ahí. Charlie Parker, uno de mis héroes en el saxofón, consiguió un trabajo lavando platos solo para poder escuchar a Art Tatum tocar. Si te atrae lo suficiente, aparecerás.

Esta música es relativamente joven. Jazz o música negra americana, que definitivamente merece ese nombre. Fue creada por los afroamericanos. En aquellos tiempos en que las personas ni siquiera tenían derechos, aún así nos dieron este increíble regalo. 

Julian Lee

 

DS: Obviamente hay una tradición de mentoría importante entre los músicos jóvenes y los profesores o músicos de jazz establecidos. ¿Qué tipo de impacto tuvo esta experiencia en ti como artista en formación?

JL: Alguien que ha sido una gran influencia en mi vida es Wynton Marsalis. Lo conocí, hicimos la competencia de bandas de secundaria “Essentially Ellington”. Esa fue la primera vez que lo conocí. Pero él se hizo cargo del programa de Juilliard en mi segundo año allí. Solo estar en la misma sala con él y escucharlo hablar. La profundidad de su conocimiento y la cantidad de libros que ha leído. ¡Habla de una biblioteca! 

Fue la primera persona que realmente registré en mi radar como una biblioteca humana. La cantidad de cosas en la cabeza de esta persona, y solo la cantidad de experiencia que ha tenido, y las personas que ha conocido y con las que ha tocado y convivido por todo el mundo. Me enseñó sobre personas como Albert Murray, que escribe sobre esta música que tanto amo, pero de la que nunca me importó leer. O Amiri Baraka. 

Ir a Juilliard me permitió conocerlo de esa manera. Pero luego, iba a su casa. ¡Y él era tan generoso! Habla de no tener tiempo, pero aún así lo hacía. Y el hombre no duerme. No duerme. He estado de gira con él y es como si simplemente no durmiera. Y luego toca en un concierto. Y yo pensaba: “¿Eres humano?, ¿eres un robot? No entiendo”.

DS: ¿Qué significa exactamente este componente de mentoría? ¿Un mentor de jazz es alguien a tu lado enseñándote los trucos, alguien con quien desarrollas una relación personal? ¿O es más una oportunidad de tocar en su conjunto y adquirir experiencia?

JL: Definitivamente es una mezcla de ambos. Creo que los aspectos profesionales de esto se alimentan de la relación personal. Por ejemplo, fui a la casa de Wynton una vez y vimos un partido de futbol americano de playoffs, donde los New Orleans Saints perdieron y él no estaba muy feliz con eso. Ves ese elemento humano, y luego si estás en un concierto o algo, solo agrega este nuevo elemento. Es vida. El arte imita la vida y viceversa. Es un ciclo. Así que sí: cuanto más profunda sea la relación personal, creo que más profunda será tu capacidad artística de crear y llegar a una audiencia. 

El jazz es interesante. La gente tocando canciones juntas y también improvisando, siendo creativa y alimentándose mutuamente. Dentro de una estructura, una estructura musical. Realmente se presta a las personas que tienen esta conexión personal. Y luego tocas con alguien que nunca has conocido antes, y hay una conexión personal. Debido a todas tus influencias y a todas las cosas que amas artísticamente, han llegado a los rincones más lejanos del mundo. 

En esta sociedad globalizada, es algo hermoso que sin hablar el mismo idioma puedes hablar la música. Y esta música permite que sucedan ese tipo de cosas. Crear en el momento. Es una conversación que estás creando juntos al mismo tiempo.

DS: Parece que con las redes sociales y el internet, los músicos jóvenes de jazz han diversificado su forma de darse a conocer. Publican música en línea y crean su propia marca.Hay muchas discusiones interesantes en torno al estado actual de la tradición del jazz. ¿Cuál es tu opinión sobre este fenómeno creciente de músicos/jazz influencers en redes sociales?

JL: Esa es una buena pregunta. Creo que depende de cuál sea el objetivo del artista y qué significa para él tener éxito. En el sentido moderno, el éxito significa cuántas entradas puedes vender, cuánto dinero puedes ganar, básicamente. Si bien creo que está bien ganar tanto dinero como quieras, lo que sea, creo que lo más importante, como artista, es preguntarse: “¿Qué estoy creando? ¿Qué significa el éxito para mí?” 

Si el éxito significa llegar a ese sonido en mi cabeza. Si es llegar al sonido de mis antepasados que vinieron antes que yo y yo lo llevo al futuro. Wynton siempre habla de un continuo. No termina. El futuro influye en el pasado y el pasado influye en el futuro. Es algo vivo. 

¿Creo que la gente puede ir a Instagram y tener una página exitosa y tocar por todo el mundo gracias a eso? Todas son herramientas. Y depende. Hay un orden, o incluso una jerarquía. Creo que en la cima debe estar tu arte y la música en la que realmente crees. Como si fuera tu último día en la Tierra: ¿Seguirías tocando esta música? Luego, en el siguiente orden, es cómo llevar esta música a la mayor cantidad de personas posible. 

Creo que en la cima debe estar tu arte y la música en la que realmente crees. Como si fuera tu último día en la Tierra: ¿Seguirías tocando esta música?

Julian Lee

Estoy completamente a favor de las herramientas. Pero creo que cuando la herramienta se convierte en el maestro, es como: “¿Quién está a cargo?”. Con la música es: “¿Qué está liderando? ¿Es la música y el arte o es la fama y el deseo de ser popular? ¿Qué estoy sirviendo exactamente?” Estás poniendo el carro delante del caballo o como sea que se diga, es simplemente el orden incorrecto la mayoría de las veces. 

Y otra pena de eso es que ahora, si soy un niño en un pequeño pueblo o lo que sea, y entro en las redes sociales, lo primero que veo probablemente no va a ser Charlie Parker, lo que probablemente verás es a alguien que es muy bueno en las redes sociales y que probablemente puede tocar bien. 

Pero no creo que sea lo que quiero hacer necesariamente. Aceptaré un seguidor o lo que sea (risas). Lo más importante, la primera prioridad, es tocar muy bien y darse cuenta de que el viaje de tocar bien nunca termina. Es estar cerca de alguien como Wayne Shorter antes de morir, o de estos héroes míos que, en sus últimos años de vida, siguen practicando; siguen tratando de encontrar una buena nota.

DS: Como mencionaste, creo que al final se trata de autenticidad. Porque si conoces o buscas encontrar tu intención artística y tienes expectativas realistas, la audiencia te encontrará.

JL: La gente debería poder disfrutar lo que quiera disfrutar, pero a veces les falta un poco de jazz. A veces ni siquiera sabes que lo estás buscando, y luego ves un show en vivo o escuchas una sinfonía o lo que sea, algo que no se puede replicar en un entorno de atención corta. 

Especialmente los niños más jóvenes se están perdiendo la profundidad de lo que esta música y otras formas de arte tienen para ofrecer. La profundización de tu alma que proviene de escuchar cosas así una y otra vez. Como leer una gran novela, lo que sea que sea, se convierte en parte de ti.

El arte imita la vida y viceversa. Es un ciclo. Así que sí: cuanto más profunda sea la relación personal, creo que más profunda será tu capacidad artística de crear y llegar a una audiencia. 

Julian Lee

DS: Volviendo al presente, hablemos de tu banda. Ahora eres el líder de tu propio cuarteto. Háblanos de tu transición de músico a líder de banda.

JL: Todavía siento que estoy aprendiendo. He dirigido algunas cosas este último año, pero definitivamente la mayor parte de mi vida ha sido estar en la banda de alguien más. Como líder, eres responsable de todos y de todo. Quiero decir, solo las personas en mi banda: Russell Hall, mi hermano Matt Lee y Seth Finch, gran pianista. Solo alinear los horarios, y averiguar la música y cómo lo vas a ejecutar. 

¿Considero al público? ¿O simplemente me mantengo en mi propia visión artística? Como todas estas cosas, si estoy en el concierto de otra persona, es su trabajo, y mi trabajo es ayudarles a lograr eso. 

Debo decir que liderar bandas definitivamente también me ha hecho mejor como acompañante. Porque ahora entiendo de dónde vienen. Y lo difícil que es, y cuánta más presión hay. Pero luego la recompensa también puede ser mayor. Porque fue tu bebé. Es tu cosa. Así que definitivamente es un desafío. Puede ser estresante. Y realmente será la primera vez que nosotros cuatro toquemos juntos. Así que eso siempre agrega algunos elementos. Siempre es un proceso de aprendizaje, pero cuanto más haces algo, más fácil se vuelve.

DS: Es interesante que mencionas que esta es la primera vez que todos técnicamente tocan juntos. ¿Cómo ocurrió entonces el proceso de crear este cuarteto? Creo que la mayoría de la gente tiene la idea romántica de que una banda siempre está arraigada en amistades y relaciones personales, lo que quizás no siempre sea el caso en esta escena. ¿Qué tan natural suceden estas cosas?

JL: Russell Hall es un muy buen amigo mío. Nos conocimos cuando teníamos como dieciséis años en el campamento de jazz Centrum en la Costa Oeste y fuimos juntos a Juilliard. Él es un año mayor. Vivimos juntos en nuestro segundo año. Ahora vivo en Nueva Orleans y él vive en Nueva York. Viene a Nueva Orleans y se queda conmigo, él y su prometida, somos todos amigos, así que estamos muy unidos.

También está mi hermano. Obviamente somos muy unidos. Y Seth, a quien realmente solo conocí en los últimos años, pero vive en Nueva Orleans y nos hemos vuelto cercanos también, pasando el rato por nuestra cuenta. 

Mis bandas favoritas son aquellas en las que los músicos realmente están muy unidos. Se conocían, eran como una familia. Especialmente algunos de nuestros héroes; era simplemente supervivencia. Tenías que mantenerte unido en la carretera. Y celebraban las vidas de cada uno, iban a sus bodas. O, ya sabes, eran los padrinos de los hijos de los demás. Todas estas cosas profundas. 

Puedes escuchar la diferencia musicalmente (en la banda). Pero si también quieres tocar con un mentor o una leyenda a la que realmente admiras, eso es realmente crucial. Porque te van a mostrar cosas en las que no habías pensado. Y puede que tengas que salir de tu burbuja un poco. Esta banda es una banda de amigos cercanos. Se trata de la vida real.

Mis bandas favoritas son aquellas en las que los músicos realmente están muy unidos. Se conocían, eran como una familia. Especialmente algunos de nuestros héroes; era simplemente supervivencia.

Julian Lee

DS: Tu fantástico EP debut fue lanzado este año, “Clementine”. Cuéntanos sobre el proceso de composición y grabación.

JL: En realidad lo grabamos hace unos años, en 2021. Fue en el apogeo de la pandemia. Pero había canciones que había estado escribiendo durante un tiempo o que ya había escrito, pero las estaba cambiando. Estaba en casa en el piano de mi infancia, en la sala de estar y tocando cosas. Y pensé: “Tengo que grabar algo”. 

No había nada en marcha. No había conciertos en vivo reales, excepto transmisiones en vivo, que odiaba, siendo honesto (risas). Ya sabes, tocar para nadie. De todos modos, algo estaba creciendo en mí. Sentí que necesitaba escribir estas canciones y grabar algo. En el álbum están Russell, Kyle Poole, y Mathis Picard en el piano. 

Estábamos en diferentes bandas por todo Nueva York, en Mwenso & The Shakes. Habíamos viajado por todo el país, hemos estado en Ucrania y en todos estos diferentes lugares. Así que esa sección rítmica era como mi familia musical. Especialmente durante mi tiempo en Nueva York. 

En cuanto a las canciones, algunas de ellas tienen un significado concreto. “A Call to Action”, creo que tiendo a veces a la pereza, así que fue una especie de reflexión personal. Era como una instrucción para mí mismo: “Es hora de levantarse y hacer esto y avanzar”. Fue como un mantra para mí en forma musical, pero también es algo que puede pensarse a una escala mayor. Ya sea por temas de justicia social o cosas así, necesitas levantarte y moverte y hacer las cosas. Y no puede hacerse simplemente detrás de una pantalla. Esa fue la intención de esa canción.

“Clementine” era una melodía que se me ocurrió y que me gustaba. Se la toqué a mi hermana menor, Jackie Lee. Y le dije: “¿Cómo debería llamar a esto?” Sin dudarlo respondió: “Clementine”. Yo le dije: “¡Perfecto!” 

A veces así es como surgen las cosas. “There’s a Place I Go” tiene letra aunque esté tocando. Pero es como: “Hay un lugar al que voy a pensar en ti”. Trata sobre una relación pasada que no terminó de manera muy amistosa. Así que la escribí poco después, pero tiene también un significado más general. No es solo mi específica canción de ruptura, básicamente. 

“Open Your Heart”, la primera. Hay una línea de bajo, y simplemente pensé en ella como un latido del corazón. Se repite una y otra vez y luego da paso a este tipo de sonido mayor más alegre. Así que había diferentes cosas, y a veces el significado llega después de que ya he comenzado. A veces simplemente escucho algo y luego puedo relacionarlo a mi manera. Y eso ayuda a terminar la composición. Pero puede ser cualquier cosa, hombre. Puede ser realmente aleatorio.

¿Quién es Julian Lee?

Julian Lee se está consolidando rápidamente como uno de los saxofonistas más versátiles y solicitados de su generación. Ganador del Premio Lincoln Center Emerging Artist en 2017, ha actuado internacionalmente con artistas renombrados como Wynton Marsalis, Christian McBride y Jon Batiste, además de participar con prestigiosas agrupaciones como la Jazz at Lincoln Center Orchestra. Su dominio de varios saxofones, clarinete y flauta, junto con sus habilidades excepcionales para la lectura a primera vista, le ha permitido tocar en algunas de las mejores big bands del mundo.

Además de liderar sus propios proyectos, Lee ha tocado en lugares emblemáticos como Dizzy’s Club, Blue Note y el Festival de Jazz de Newport. Completó sus estudios en la Universidad de Juilliard, donde tuvo el honor de estudiar con el saxofonista Joe Temperley. Su trabajo se puede escuchar en grabaciones destacadas, incluidas las de Mwenso and The Shakes y la Jazz at Lincoln Center Orchestra.

Julian Lee: In jazz, the priority is to play really well and to realize that the journey of playing well never ends

As part of the NY Jazz All Stars concert series in Guadalajara, I had the opportunity to speak with musician Julian Lee, one of the most sought-after saxophonists of his generation and a promising new voice on the jazz scene.

Diego Sicilia: Tell us about your origins as a jazz musician and how you transitioned to the university environment. What were the first steps that led you to Juilliard’s program?

Julian Lee: My parents are musicians. My dad is a saxophonist, and my mom is a classical violinist. I saw my dad play at a local club in Montclair, New Jersey, where I’m from, a place called Trumpets, which has since closed. But he was playing with the great drummer Billy Hart, someone I’ve been lucky enough to know throughout my life. I was seven years old, and something in that performance told me, “I want to play the saxophone.”

There was always music playing at home, but by the time I was around fourteen. I think I knew I wanted to be a musician. It’s been an incredible journey. I have many musician aunts and uncles, friends of my dad, people who literally looked after me when I was a little kid. At some point, you end up playing a gig with someone. If my dad couldn’t make a gig, I’d fill in for him and vice versa. I’d definitely say that the connection my dad has with the scene, and what he’s been doing for forty years in New York, was my true introduction to the jazz scene.

Then, of course, when I went to Juilliard in New York, I started going out and listening to people play. I went to different clubs and met people on my own. Just going out and listening to the people you really want to hear, the music that draws you in and inspires you. Then you listen to recordings on your own, and later you meet the people you really want to see, that’s what I’ve been doing.

DS: From my perspective outside of jazz, it seems like a lot of the scene is based on values of collaboration and brotherhood. Which is evident in the fact that musicians are always collaborating with each other on different projects, but also teaching the younger generations. Do you think these values are still predominant in the scene? Where are they rooted, and how are they fostered?

JL: Ninety-nine percent of the time, people are really good and want to support you. Especially if you show that you’re really committed, that you care about the music, and you’re coming from the right place. I’ve never had anyone really tell me, “Sorry, I can’t, I don’t have time.” So first of all, that generosity, that generosity of spirit, really speaks to the nature of the music itself. It’s meant to be shared and passed on, and people keep it alive.

We have recordings that are essential. They were made by people for other people. And nothing compares to hearing this music live. This music is relatively young. Jazz or Black American music, which definitely deserves that name. It was created by Black Americans. Back in those times, when people didn’t even have rights, they still gave us this incredible gift.

Back then, that was the only way to communicate this, there wasn’t a jazz school. There was a bar, a place, a club, and that’s what you did on a Friday night. You went to the jazz club, you went to dance, to meet people, to drink and have a good time. But if you were an interested musician, you were also there. Charlie Parker, one of my saxophone heroes, got a job washing dishes just to listen to Art Tatum play. If you’re drawn to it enough, you’ll show up.

Jazz or Black American music, which definitely deserves that name. It was created by Black Americans. Back in those times, when people didn’t even have rights, they still gave us this incredible gift.

Julian Lee

DS: Obviously, there’s a strong tradition of mentorship between young musicians and established jazz professors or musicians. What kind of impact did this experience have on you as a developing artist?

JL: Someone who’s been a huge influence in my life is Wynton Marsalis. I met him, we did the high school band competition “Essentially Ellington.” That was the first time I met him. But he took over the Juilliard program in my second year there. Just being in the same room with him and listening to him talk. The depth of his knowledge and the number of books he’s read. Talk about a library!

He was the first person I really registered on my radar as a human library. The amount of stuff in this man’s head, and just the amount of experience he’s had, and the people he’s met and played with all over the world. He taught me about people like Albert Murray, who writes about this music I love so much, but I never cared to read about. Or Amiri Baraka.

Going to Juilliard allowed me to meet him that way. But then, I’d go to his house. And he was so generous! Talk about not having time, but he still made time. And the man doesn’t sleep. He doesn’t sleep. I’ve toured with him, and it’s like he simply doesn’t sleep. Then he plays a gig. And I’d think, “Are you human? Are you a robot? I don’t understand.”

Art imitates life and vice versa. It’s a cycle. So yes: the deeper the personal relationship, the deeper your artistic ability to create and connect with an audience.

Julian Lee

DS: What exactly does this mentorship component mean? Is a jazz mentor someone next to you teaching you the tricks, someone with whom you develop a personal relationship? Or is it more about getting the chance to play in their ensemble and gain experience?

JL: It’s definitely a mix of both. I think the professional aspects of it are fed by the personal relationship. For example, I went to Wynton’s house once, and we watched a playoff football game where the New Orleans Saints lost, and he wasn’t very happy about it. You see that human element, and then if you’re at a gig or something, it just adds this new layer. It’s life. Art imitates life and vice versa. It’s a cycle. So yes: the deeper the personal relationship, the deeper your artistic ability to create and connect with an audience.

Jazz is interesting. People playing songs together and also improvising, being creative and feeding off each other. Within a structure, a musical structure. It really lends itself to people having that personal connection. And then you play with someone you’ve never met before, and there’s a personal connection. Because all your influences and all the things you love artistically have reached the far corners of the world.

In this globalized society, it’s a beautiful thing that you can speak the music when you can’t even speak the same language. And this music allows that kind of thing to happen. Creating in the moment. It’s a conversation you’re creating together at the same time.

DS: It seems like with social media and the internet, young jazz musicians have diversified how they make themselves known. They post music online and create their own brand. There are many interesting discussions surrounding the current state of the jazz tradition. What’s your opinion on this growing phenomenon of musicians/jazz influencers on social media?

JL: That’s a good question. I think it depends on what the artist’s goal is and what success means to them. In the modern sense, success means how many tickets you can sell, how much money you can make, basically. While I think it’s fine to make as much money as you want, whatever, I think the most important thing, as an artist, is to ask yourself: “What am I creating? What does success mean to me?”

If success means getting to that sound in my head. If it’s reaching the sound of my ancestors who came before me and carrying it into the future. Wynton always talks about a continuum. It doesn’t end. The future influences the past, and the past influences the future. It’s a living thing.

Do I think people can go on Instagram and have a successful page and play all over the world because of it? They’re all tools. And it depends. There’s an order, or even a hierarchy. I think at the top should be your art and the music you truly believe in. As if it were your last day on Earth: Would you still play this music? Then, in the next order, it’s about how to bring this music to as many people as possible.

I’m all for the tools. But I think when the tool becomes the master, it’s like: “Who’s in charge?” With music, it’s: “What’s leading? Is it the music and the art, or is it fame and the desire to be popular? What am I serving exactly?” You’re putting the cart before the horse or however the saying goes, it’s just the wrong order most of the time.

And another pity of that is that now, if I’m a kid in a small town or whatever, and I go on social media, the first thing I see probably won’t be Charlie Parker, what you’ll probably see is someone who’s really good at social media and who can probably play well.

But I don’t think it’s necessarily what I want to do. I’ll take a follower or whatever (laughs). But most importantly, the first priority is to play really well and realize that the journey of playing well never ends. Being close to someone like Wayne Shorter before he passed away, or these heroes of mine who, in their last years, are still practicing; still trying to find a good note.

I think at the top should be your art and the music you truly believe in. As if it were your last day on Earth: Would you still play this music?

Julian Lee

DS: As you mentioned, I think it’s ultimately about authenticity. Because if you know or seek to find your artistic intention and have realistic expectations, the audience will find you.

JL: People should be able to enjoy what they want to enjoy, but sometimes they’re missing a bit of jazz. Sometimes you don’t even know you’re looking for it, and then you see a live show or hear a symphony or whatever it is, something that can’t be replicated in a short attention-span environment.

Especially younger kids are missing out on the depth of what this music and other art forms have to offer. The deepening of your soul that comes from listening to things like this over and over again. Like reading a great novel, whatever it is, it becomes part of you.

DS: Moving to the present, let’s talk about your band. You’re now the leader of your own quartet. Tell us about your transition from musician to bandleader.

JL: I still feel like I’m learning. I’ve led a few things this past year, but definitely most of my life has been spent in someone else’s band. As a leader, you’re responsible for everyone and everything. I mean, just the people in my band: Russell Hall, my brother Matt Lee, and Seth Finch, a great pianist. Just aligning schedules, and figuring out the music and how you’re going to execute it.

Do I consider the audience? Or do I just stick to my own artistic vision? Like all these things, if I’m at someone else’s gig, it’s their job, and my job is to help them achieve that.

I must say that leading bands has definitely made me better as a sideman too. Because now I understand where they’re coming from. And how hard it is, and how much more pressure there is. But then the reward can also be greater. Because it was your baby. It’s your thing. So it’s definitely a challenge. It can be stressful. And it’ll really be the first time the four of us are playing together. So that always adds some elements. It’s always a learning process, but the more you do something, the easier it becomes.

DS: It’s interesting that you mention this is the first time you’ll technically be playing together. How did the process of creating this quartet come about then? I think most people have this romantic idea that a band is always rooted in friendships and personal relationships, which may not always be the case in this scene. How naturally do these things happen?

JL: Russell Hall is a very good friend of mine. We met when we were about sixteen at the Centrum Jazz camp on the West Coast, and we went to Juilliard together. He’s a year older. We lived together in our second year. I live in New Orleans now, and he lives in New York. He comes to New Orleans and stays with me, he and his fiancée, we’re all friends, so we’re very close.

Then there’s my brother. Obviously, we’re very close. And Seth, whom I really only met in the last few years, but he lives in New Orleans, and we’ve gotten close as well, hanging out on our own.

I think my favorite bands are those where they’re really tight-knit. They knew each other, they were like a family. Especially some of our heroes, it was just survival. You had to stick together on the road. And they celebrated each other’s lives, they went to each other’s weddings. Or, you know, they were the godparents of each other’s kids. All these deep things.

You can definitely hear the difference musically. But if you also want to play with a mentor or a legend you really admire, I think that’s really crucial too. Because they’re going to show you things you hadn’t thought about. And you might have to step out of your bubble a bit. This band is definitely a band of close friends. It’s about real life.

I think my favorite bands are those where they’re really tight-knit. They knew each other, they were like a family. Especially some of our heroes, it was just survival.

Julian Lee

DS: Your fantastic debut EP was released this year, “Clementine.” Tell us about the process of composing and recording.

JL: We actually recorded it a few years ago, in 2021. It was at the height of the pandemic. But there were songs I had been writing for a while or had already written, but I was tweaking them. I was at home on my childhood piano, in the living room, and playing things. And I thought: “I need to record something.”

There wasn’t much going on. There weren’t really any live gigs, except for livestreams, which I hated, to be honest (laughs). You know, playing for no one. Anyway, something was growing in me. I felt the need to write these songs and record something. On the album are Russell, Kyle Poole, and Mathis Picard on piano.

We were in different bands all over New York, in Mwenso & The Shakes. We’d traveled all over the country, we’ve been to Ukraine and all these different places. So that rhythm section was like my musical family. Especially during my time in New York.

As for the songs, some of them have concrete meaning. “A Call to Action”, I think I tend to be lazy sometimes, so it was kind of a personal reflection. It was like a reminder to myself: “It’s time to get up and do this and move forward.” It was like a mantra for me in musical form, but it can also be thought of on a larger scale. Whether it’s social justice issues or things like that, you need to get up and move and get things done. And it can’t just be done behind a screen. That was the intention of that song.

“Clementine” was a melody I came up with and liked. And I played it for my younger sister, Jackie Lee. And I said: “What should I call this?” Without hesitation, she said: “Clementine.” And I said: “Perfect!”

Sometimes that’s how things come about. “There’s a Place I Go” has lyrics even though I’m playing. But it’s like: “There’s a place I go to think of you.” And it’s about a past relationship that didn’t end very amicably. So I wrote it shortly after, but it also has a more general meaning. It’s not just my specific breakup song, basically.

“Open Your Heart”, the first one. There’s a bass line, and I just thought of it as a heartbeat. And it repeats over and over again, and then it gives way to this kind of brighter sound. So there were different things, and sometimes the meaning comes after I’ve already started. Sometimes I just hear something, and then I can relate it to myself. And that helps finish the composition. But it can be anything, man. It can be really random.

Who is Julian Lee?

Julian Lee is quickly establishing himself as one of the most versatile and sought-after saxophonists of his generation. Winner of the 2017 Lincoln Center Emerging Artist Award, he has performed internationally with renowned artists such as Wynton Marsalis, Christian McBride, and Jon Batiste, as well as with prestigious ensembles like the Jazz at Lincoln Center Orchestra. His mastery of multiple saxophones, clarinet, and flute, along with his exceptional sight-reading skills, has allowed him to play in some of the world’s finest big bands.

In addition to leading his own projects, Lee has performed at iconic venues like Dizzy’s Club, the Blue Note, and the Newport Jazz Festival. He completed his studies at The Juilliard School, where he had the honor of studying under saxophonist Joe Temperley. His work can be heard on notable recordings, including those of Mwenso and The Shakes and the Jazz at Lincoln Center Orchestra.