El ciclo NY Jazz All Stars, a cargo de DeQuinta Producciones, continúa con su sexto concierto de 2024 que se llevó a cabo el pasado 17 de octubre en el Conjunto Santander de Artes Escénicas. En esta ocasión tuvimos la oportunidad de conversar con Luther S. Allison.

Diego Sicilia: Al alejarte de una exitosa experiencia en una banda, ¿cuál es tu mentalidad al adentrarte en tu álbum debut I Owe It All To You? ¿Nos podrías hablar también de tus tres composiciones originales y de los artistas a quienes estás rindiendo homenaje?

Luther S. Allison: Para mi primera grabación, realmente quería honrar a todos los que habían invertido en mí. Que habían invertido en mi crecimiento como persona y como músico. Y esas personas incluyen a mis padres, a muchos de mis antiguos maestros, personas como Donald Brown, Keith Brown, Rodney Whitaker, Michael Lees, Missy Cohen; muchas personas que me orientaron en el camino, me acogieron bajo su ala y me mostraron muchas cosas cuando empecé a adentrarme en la escena, tanto en Nueva York como en la escena en Victoria.

Así que en este primer proyecto, quería rendirles homenaje a todos ellos. Algunas de las personas en particular a las que decidí rendir homenaje fueron los pianistas de Memphis. 

Donald Brown, originario de Memphis, tiene muchos colegas y mentores que también me inspiraron mucho durante mis estudios con él. Así que ellos terminaron siendo también algunos de mis pianistas favoritos. Escuchar su emoción al hablar de ellos, personas como Mulgrew Miller, James Williams, Phineas Newborn, Harold Mabern. E incluso los no pianistas como Booker Little, Charles Lloyd, George Coleman. Hay tantos músicos de jazz increíbles que pasaron por esa ciudad.

Quise rendirles homenaje a cada uno de ellos grabando una canción para cada uno de esos pianistas. Y quería rendir homenaje a las personas hacia las que, de algún modo, me sentía magnetizado. Y también contribuir con algunas composiciones originales, algo que comencé a hacer cuando estaba en la universidad.

En cuanto a los originales, el primero en el que empecé a trabajar fue, de hecho, la canción que da título al álbum, “I Owe It All to You”. Creo que la escribí en mi primer año de posgrado en la Universidad Estatal de Michigan, alrededor de 2017-18. Y surgió inicialmente de la inspiración de todo lo que había escuchado durante la universidad.

Estuve muy inmerso en la música góspel durante años. Música funk, R&B, soul, los sonidos de The Temptations, Earth, Wind & Fire, Sly and the Family Stone, A Tribe Called Quest. Hay muchas influencias que quizás no se perciban directamente en cada canción, pero esas influencias están presentes de alguna manera en algunas de las composiciones.

Y en cuanto a componerlas, siento que cada una lleva un tiempo diferente, dependiendo de la vida. Hay una pieza, la canción que escribí para mi esposa cuando apenas comenzábamos a salir, “Until I See You Again”. Ulysses Owens, quien me acababa de contratar para tocar en su banda, Generation Y Quartet, me pidió que escribiera algunas canciones para el grupo. Y esa canción surgió bastante inmediatamente, bastante rápido, porque estaba escribiendo bajo la inspiración de este amor recién descubierto. Quería reflejar los sentimientos de anhelo, de no saber cuándo volvería a ver a esta persona que acababa de conocer y por la que tenía estos sentimientos profundos.

“The Things We Used To Say” fue escrita bajo la inspiración de Rodney Whitaker. Alguien que fue una de las fuerzas impulsoras del jazz de los años 90. Todavía tiene un impacto muy fuerte en la música hasta el día de hoy, tanto como intérprete como educador. Quise escribir algo que tuviera un poco de ese carácter y alma también.

DS: ¿Fueron esas primeras influencias algo que descubriste explorando música? ¿Y en qué momento sentiste que empezaste a juntar esas composiciones e influencias en un formato impulsado por el jazz?

LSA: Mi primera exposición al jazz fue realmente a través de la School of the Arts en Charlotte, Carolina del Norte. En realidad, estaba tocando saxofón en un conjunto de jazz. Antes de esto, estaba tomando algunas lecciones de batería con fantásticos maestros locales como Ryan Burton, Greg Ricci y Mr. Hunter. Cada uno de ellos me había mostrado un poco de lo que estaba haciendo, y luego empecé a llevar mi música y aprender a tocarla como música de jazz.

Pero para mí, no fue hasta que me uní a Jazz Arts Charlotte, que en ese momento estaba liderada por Lonnie Davis. Estar rodeado de otros músicos de mi ciudad natal fue una gran inspiración para mí. Ver a personas de mi ciudad natal que estaban de gira con Prince y Anthony Hamilton, pero que también tenían un gran conocimiento del jazz y la música swing, además de toda la historia detrás de eso.

Pero además, mis padres eran oyentes activos de música. Teníamos enormes altavoces con todo un sistema de reproductor de discos, y cientos y cientos de CD’s en la casa. Recuerdo que intentaba explorarlos, y escuchaba ciertas cosas que él ponía con bastante frecuencia. A través de él, fue quien me expuso a montones de música a lo largo de toda mi vida, más que cualquiera de mis maestros, diría.

Recuerdo que iba a la clase y tocaba la música que sonaba en la casa. Y siempre que veía a mi mamá empezar a bailar mientras yo tocaba las canciones, sabía que estaba haciendo algo bien. Aunque no son músicos, mi mamá y mi papá fueron, en cierto sentido, mis mayores mentores musicales. Mi padre constantemente me llevaba a muchos conciertos en vivo, y ver la alegría en mi madre siempre que tocaba todo correctamente era como, “vale, esto es lo que quiero hacer”.

DS: Aunque has realizado giras internacionales como baterista, decidiste enfocarte en tocar el piano para tu álbum debut. Cuéntanos un poco sobre tu relación con Zach Adleman y Boris Kozlov, quienes colaboran en la sección rítmica del álbum.

LSA: Empezaré con Zach, uno de mis mejores amigos. Zach es una persona maravillosa y un baterista fantástico. Quiero empezar diciendo eso. Es alguien por quien siento mucho amor y respeto, y de quien he aprendido mucho. Zach es alguien que ha estado conmigo desde los comienzos de mi proceso y recorrido de composición, que siempre es continuo. Y ha estado conmigo durante más de diez años mientras yo descifraba esas cosas.

Es alguien que ayudó a materializar todas esas ideas que tenía en mi mente y que ayudó a crear un poco de mi sonido como compositor, diría yo. Y también es alguien que trabaja muy duro y dedica mucho tiempo y esfuerzo por su cuenta. Ha habido momentos en los que yo estaba trabajando en algo y él regresaba con otras ideas sobre cómo tocarlo en la batería.

Cuando se trató de elegir a las personas para el álbum, las personas de Posi-Tone Records, que fueron muy generosos al permitirme grabar con ellos, planeaban emparejarme con una sección rítmica de músicos mayores. Personas que supieran cómo apoyar, acompañar, construir y elevarte. Y yo estaba completamente de acuerdo.

Lo curioso fue que hubo un malentendido con el baterista original del álbum, quien también es buen amigo mío, pero no pudo asistir. Curiosamente, el día anterior, tuve un ensayo con Zach y otro buen amigo mío, Marty Jack, y simplemente repasamos un montón de la música, y Zach sonaba tan bien que, en mi mente, pensé: “Sería genial tener a Zach en esto. Ya conoce la mayor parte de nuestra música”.

Y en ese momento, eso ayudó un poco con Boris, quien es un increíble bajista. A veces, cuando tienes a alguien nuevo en el grupo y ya tienes a otros dos que dominan la música, simplemente encajas. Es más fácil simplemente unirse y ajustarse, porque ahora, solo tengo que escuchar.

Así que eso fue realmente útil. Y esa fue mi primera vez tocando con Boris, y sonaba increíble. Ha estado en un montón de grabaciones que he escuchado antes también, tanto en Posi-Tone como en la Mingus Orchestra durante algún tiempo ya. Así que lo he visto mucho. Fue casi una decisión obvia. Tiene un sonido tan hermoso y fuerte que fue muy alentador y ayudó mucho a elevar a todos.

DS: Como un músico joven que proviene de la tradición del jazz, me gustaría conocer tu opinión sobre el estado actual de la música improvisada. Dado que los servicios de streaming se han convertido en curadores de música para mucha gente, veo que las listas de jazz más reproducidas que afirman mostrar el “Estado del Jazz” incluyen a artistas cuya conexión con el jazz tradicional es un poco más clara (Samara Joy, Emmet Cohen, Walter Smith III, etcétera) y a artistas influenciados por el jazz que exploran géneros cruzados y atraen a audiencias más jóvenes (Badbadnotgood, Domi & JD Beck, Kamasi Washington, etcétera).  Sin embargo, el promedio de reproducciones mensuales entre estos dos grupos es bastante significativo. ¿Qué opinas sobre este fenómeno y cómo afecta la relevancia actual y el futuro de la improvisación en el jazz?

LSA: Creo que, en cuanto a la dirección de la música, toda música siempre va a estar tomando influencias de otros lugares. Independientemente del género, siempre habrá una fusión de influencias de otros estilos y géneros de música.

Algo en lo que creo y con lo que personalmente no estoy de acuerdo, es en la idea de que tenemos que hacer algo para atraer intencionalmente a una audiencia joven. Mi mentalidad y la forma en que lo entiendo es: si es bueno, es bueno. Incluso cuando se trata de música “straight-ahead” (tradicional), tenemos esta idea de que es algo que atrae a un público más mayor.

Pero si miras mucho de la época dorada de esta música y el impacto que los músicos tuvieron, desde Charlie Parker a John Coltrane, pasando por Miles Davis, Bud Powell, Earl Hines, Willie “The Lion” Smith, Teddy Wilson, estos músicos eran jóvenes cuando estaban cambiando la dirección de la música; Herbie Hancock, Chick Corea. Y su relevancia duró por mucho tiempo. Miles Davis fue relevante hasta los años 90, ¡Herbie Hancock todavía es relevante! Y puedes rastrear cosas hasta principios de los años 60. Todas estas personas son simplemente geniales. Son grandes músicos y producen muy buena música.

Siempre habrá jóvenes interesados en el bebop, el hard bop, el jazz y la fusión de jazz. No creo que tengamos que decir, para hacer esto relevante o aceptable para una audiencia joven, tengo que poner algo de Meek Mill, Young Dolph o Summer Walker. Aunque todos esos son artistas que disfruto escuchar. Y si decides hacer eso, creo que debería ser una decisión artística honesta. Esto es algo que realmente estoy sintiendo, por eso elijo incorporarlo en mi música. Si realmente te gusta la música de los 40 y quieres que lo que estás haciendo ahora suene como eso, y cómo sonaría en el mundo de hoy, estoy seguro de que habrá alguien a quien le guste.

Creo que, en última instancia, el objetivo debería ser hacer buena música y hacer música honesta, crear arte honesto, incluso más allá de la música. Ser fiel a ti mismo y a lo que estás componiendo, interpretando o haciendo, y simplemente compartirlo con el mundo.

Creo que cualquier artista, en cualquier etapa de su desarrollo, uno de los enfoques principales siempre debe ser crear arte que sea fiel a ti mismo, fiel a tu historia, y también considerar hacia dónde quiero llevar esto.

Luther S. Allison

En lo personal, y tal vez esto cambie, ya que acabo de cumplir 29 años hace unas semanas, quizá cuando tenga 49 años, sea más intencional en atraer a una audiencia. Y tal vez ese sea uno de los privilegios que tengo como músico joven; la gente realmente no sabe quién soy, así que quieren ver qué estoy haciendo. A diferencia de alguien mayor, donde tal vez no exista el mismo entusiasmo o emoción por escuchar lo que están haciendo. Y, por supuesto, tenemos que ganarnos la vida. Así que ahí es donde siento que muchas otras cosas pueden entrar en juego. Poder atraer a una audiencia más grande para poder vivir de esto.

Porque no quiero tener un trabajo de día que me quite tiempo de lo que quiero hacer. Eso lleva a cuestionarse muchas otras cosas. Pero como dije antes, y lo sostengo firmemente, creo que cualquier artista, en cualquier etapa de su desarrollo, uno de los enfoques principales siempre debe ser crear arte que sea fiel a ti mismo, fiel a tu historia, y también considerar hacia dónde quiero llevar esto.

DS: Y algo relacionado con esta pregunta, es que encuentras a ambos tipos de artistas tocando en festivales de jazz, pero tal vez no en festivales de música mainstream. ¿Compartir ese mismo espacio contribuye, en última instancia, a crear una audiencia más grande interesada en el jazz? ¿O puede volverse una situación en la que la popularidad exige una oferta específica?

LSA: Uno de los problemas de los que escucho hablar a muchos músicos de jazz, y cuando digo músicos de jazz, me refiero a músicos que tal vez están tocando y trabajando más con “el swing” es: “Ves un festival de jazz, y no hay muchas personas que estén trabajando con el groove del swing”. Entonces ahora dices: “Oh bueno, tal vez esto atraerá más atención al jazz”, pero lo que realmente está haciendo es darle al oyente una definición diferente de lo que es esa música, o de lo que significa esa palabra. Entonces ves “jazz” y comienzas a asociarlo con otra cosa.

Para mí personalmente, asocio bastante el jazz con un groove de swing; creo que puede haber muchas cosas influenciadas por el jazz, pero siento que el beat del swing, el ritmo del ride del platillo, y la interpretación del tresillo y la corchea, es algo muy específico del jazz o de la música afroamericana. Es difícil. Creo que las líneas terminan difuminándose.

Siento que los músicos de swing tal vez se sienten un poco más emocionados cuando vemos a otro músico de swing tocar en otro festival, que tal vez está siendo anunciado como un “festival de jazz” y en el que casi no hay swing. Pero luego, cuando ves a alguien realmente tocando swing, es como, ¡por fin! Un festival de jazz que honra sus raíces, en lugar de un festival de jazz en el que realmente no escuchas nada de esa historia de la música. A mí personalmente me gustaría escuchar más de eso, y diferentes interpretaciones de eso, dentro del mundo de ese groove en festivales que se dicen ser de jazz.

Creo que ese es un problema serio en el mundo de la música en este momento. La popularidad ha superado a la legitimidad con éxito desde hace tiempo.

Luther S. Allison

Hay ciertos artistas que ves y, ya sabes, puede volverse delicado, y siento que esto trae a colación muchas otras cosas. ¿Cómo se está publicitando la persona? ¿Cómo están siendo anunciados y presentados? Y luego llegas a las plataformas de streaming, ¿en qué listas de reproducción están? ¿Quiénes son sus oyentes? Siento que lo que estás viendo más, es que la popularidad le gana a la legitimidad. Creo que ese es un problema serio en el mundo de la música en este momento. La popularidad ha superado a la legitimidad con éxito desde hace tiempo. Y ahora estamos viendo, y no quiero generalizar esto a toda la generación, pero ves a muchos músicos en mi generación y en las generaciones venideras, que ahora buscan popularidad. Y no ponen el mismo énfasis en la legitimidad.

Eso vuelve un poco a lo que dije antes. Si eres bueno, vas a tener una audiencia. No tienes que preocuparte por los seguidores de Instagram y los streams y todo ese tipo de cosas. Si simplemente tocas increíblemente bien tu instrumento, y haces un muy buen trabajo, y tienes una gran visión y sabes cómo seleccionar una banda, creo que eso es lo que hizo Miles Davis, y eso es lo que lo sostuvo durante tanto tiempo. Y lo ayudó a tener una carrera tan hermosa durante años.

Aparte de cualquier cosa personal, tienes a alguien que estudió profundamente la música, que tenía sus propias limitaciones personales, pero entendía cómo navegar esas limitaciones y presentarlas de tal manera que terminas desarrollando una audiencia, tienes una visión fuerte de lo que quieres hacer y no te importa lo que digan los demás. Creo que él es el ejemplo perfecto. Stevie Wonder es otro.

DS: Volviendo a las influencias de este proyecto, pensé que podríamos tomarnos un momento para hablar de la influencia y relevancia de Stevie Wonder. Aunque es uno de los músicos más importantes de la segunda mitad del siglo XX y ha disfrutado de un éxito internacional, todavía creo que no se habla de él tanto como merece a nivel internacional. ¿Puedes hablarnos sobre tu decisión de hacer una versión de Knocks Me Off My Feet? ¿Y cuál es tu conexión con la música de Stevie Wonder?

LSA: Eso en realidad fue gracias a la inspiración de Marc Free, quien es uno de los dueños de Posi-Tone Records. Él me estaba hablando y me dijo: “Nos encantaría que grabaras una pieza de algo que tal vez no se escucha en ciertos contextos, pero es algo que has escuchado mucho. Ya sea que quieras hacerlo swing o personalizarlo de la manera que quieras”. Y para mí, uno de los artistas que crecí escuchando mucho fue Stevie Wonder. Y él tiene un sonido tan único, armónicamente, en el teclado, el bajo synth, la armónica, la voz. Tiene una voz tan distintiva; Stevie es alguien que es realmente un genio. Explora tantas texturas, tonalidades, en todas sus piezas. Y es algo que todavía me inspira, me desafía, y me mantiene comprometido hasta el día de hoy. Cuando escucho lo que él hace, me reta a escribir algo al mejor nivel de mi capacidad.

DS: Pasando a otros proyectos en los que estás trabajando. Somos grandes fanáticos de Maggie Gyllenhaal y sabemos que estás colaborando en su nueva película The Bride. ¿Hay algo que puedas revelar sobre este proyecto, tu participación en él y el proceso de proporcionar música para la película?

LSA: Fui contactado por uno de los productores musicales de la película. Se trata de The Bride of Frankenstein, producida y dirigida por Maggie Gyllenhaal. Es probable que salga en octubre del próximo año.

Estaban buscando varios músicos en la ciudad de Nueva York para ser músicos en la película. No íbamos a tener líneas ni nada, solo estar en la película, lo cual era una gran oportunidad. Así que dije: “Claro, me encantaría estar en la película”. Y recuerdo que unos días antes del rodaje, se acercaron y dijeron: “Oye, necesitamos algunas canciones grabadas”. Alguien más había grabado la música, pero no estaban realmente satisfechos con el resultado. Así que terminaron pidiéndonos que grabáramos un par de canciones.

Fue una experiencia hermosa. Terminamos yendo al estudio, y como es una película de época, más o menos de los años 20, estuve tocando piano stride y ese tipo de sonido. Fue hermoso poder interpretar a un personaje en la película y también tener una pequeña participación en la música. En cualquier entorno, hago lo mejor que puedo para encontrar libertad en lo que hago, y siento que la libertad realmente se manifiesta cuando te sientes cómodo con lo que estás tocando.

Entonces, me dieron la música uno o dos días antes de la sesión de grabación, y eran solo dos o tres canciones, tal vez. Aprendí el arreglo y eso me permitió tener más libertad dentro de él. Porque, especialmente en esa música, no estaba destinada a tocarse exactamente como estaba escrita. Hay muchas partes específicas en el arreglo que deben hacerse y escucharse para poder transmitir ciertos sentimientos individuales, pero también puedes encontrar algunos espacios dentro de la pieza donde tienes apertura para expresarte.

DS: Para finalizar, ¿hay algo más en lo que estés trabajando actualmente que quieras compartir con nosotros?

LSA: Actualmente estoy en medio de componer una pieza para la Jazz at Lincoln Center Orchestra, lo cual me tiene muy emocionado. Se estrenará en enero del próximo año. Es una composición original en el estilo del Cool Jazz para su concierto, así que va a estar genial. También haré una gira de tres meses el próximo año, patrocinada por Jazz at Lincoln Center, enfocada en la música de Nueva Orleans. Será una gira por cuarenta ciudades en Estados Unidos.

Además, estoy trabajando en mi segundo álbum. A través de todas estas personas, he podido encontrar mi tribu en Island to College. He comenzado a construir junto a todos ellos y a desarrollar un sonido. Estoy muy contento con el primer álbum, y ahora quiero consolidar un grupo consistente. Así que, con suerte, para el otoño o invierno del próximo año, pueda entrar al estudio, empezar a grabar el segundo proyecto y lanzarlo poco después.

Luther S. Allison: “Create honest music and stay true to what you’re composing”

The NY Jazz All Stars series, organized by DeQuinta Producciones, continued with its sixth concert of 2024, held on October 17 at the Conjunto Santander de Artes Escénicas. On this occasion, we had the opportunity to talk with Luther S. Allison.

Diego Sicilia: As you come away from a successful band setting, what is your mindset going into your debut album I Owe It All To You? Will you also tell us about your three original compositions and the artists you are paying tribute to?

Luther S. Allison: For my first recording, I really wanted to honor everybody who had invested in me. Who had invested in my growth as a person and as a musician. And so those are people, like my parents, a lot of my former teachers, people like Donald Brown, Keith Brown, Rodney Whitaker, Michael Lees, Missy Cohen, just a lot of people who paved the way for me and took me under their wing and showed me a lot of things when I was first getting exposed to the scene, both in New York City, but also the scene in Victoria. So in this first project, I wanted to pay tribute to all of them. 

Some of the people in particular that I decided to pay tribute to, were the Memphis piano players. 

So Donald Brown, being originally from Memphis, a lot of his colleagues and mentors are people who also inspired me a great deal through my studies with him. So those ended up being some of my favorite piano players as well. 

Just hearing his excitement talking about them. People like Mulgrew Miller, James Williams, Phineas Newborn, Harold Mabern. And even the non-pianists like Booker Little, Charles Lloyd, George Coleman. There’s so many incredible jazz musicians who came through that city.

I wanted to pay tribute to each of them by recording a song for each of those piano players. And I wanted to pay tribute to the people that I tended to, I kind of was magnetized to. And also contributing some original compositions, which is something I started doing when I was in college, composing. 

For the originals, the one that I started working on first, was actually the title track, “I Owe IT All to You”. I believe I wrote that in my first year of graduate school at Michigan State University, about 2017-18. And it first came kind of through the inspiration of everything I had listened to throughout college.

So being heavily steeped in gospel music for years. Funk music, R&B, soul music, the sounds of The Temptations, Earth, Wind & Fire, Sly and the Family Stone, A Tribe Called Quest. There’s a lot of influences where maybe you might not directly hear it on every single song, but there is somewhat of an influence of those things on a few of the compositions.

And as far as composing them, I feel like each one takes a different amount of time, Just depending on life. There’s one piece, the song that I wrote for my wife at the time we had just started dating, “Until I See You Again”. 

Ulysses Owens, who had just hired me to play in his band, Generation Y Quartet, asked me to write a few songs for the group. And so that song kind of came pretty immediately, pretty quickly because I was writing through the inspiration of this newfound love. I wanted to reflect the feelings of longing, not knowing the next time I would see this person who I just met and had these deep feelings for, 

“The Things We Used To Say”, was written under the inspiration of Rodney Whitaker. Somebody who was one of the driving forces behind 90’s jazz. Still has a very strong impact on the music to this day as both a performer and an educator as well. I wanted to write something that had a bit of that edge and soulfulness to it as well.

DS: Interesting. Were those early influences something that you discovered through just exploring music? And at which point did you feel you started to put those compositions and influences together into a jazz driven format?

LSA: My first exposure to jazz was really through the School of the Arts in Charlotte, North Carolina. I was actually playing saxophone in a jazz ensemble. Prior to this, I was taking some drum lessons from fantastic local teachers Ryan Burton, Greg Ricci and Mr. Hunter. Each of them had exposed me a little bit to what I was doing and then I started taking my music and learning how to play it as jazz music. 

But for me, it wasn’t until I joined Jazz Arts Charlotte, that it was led at the time by Lonnie Davis. Being around other musicians from my hometown was a huge inspiration to me. Seeing people from my hometown who were on the road with Prince and Anthony Hamilton, but they also had a lot of understanding of jazz and swing music plus the full history of that.

But also, my parents were active music listeners. We had huge speakers with this whole set with a record and CD player and hundreds and hundreds of CD’s in the house. I remember I would try to scan through that, And I would hear certain things that he would play pretty often. Through him, he was the one that was putting me onto tons of music my entire life growing up, more so than any of my teachers I would say.

I remember I would go to music class and play the music around the house. And whenever I would see my mom start to dance, as I played along to the songs, I knew I was doing something right. Even though they’re not musicians, my mom and my dad were kind of my biggest musical mentors. My father was constantly taking me to a bunch of live music, and just seeing the enjoyment in my mother whenever I was playing everything correctly. It was like, okay, this is what I want to do.

DS: While you have toured internationally as a drummer, you decided to focus on playing piano for your debut album. Tell us a little bit about your relationship with Zach Adleman and Boris Kozlov, who collaborate on the rhythm section of the album.

LSA: I’ll start with Zach, one of my best friends. Zach is a beautiful human being, and a fantastic drummer. I just want to lead with that. That is someone whom I have a lot of love and a lot of respect for and I’ve learned a lot from. Zach is somebody who has been with me early on in my composition process and journey which we’re forever on. And he’s been with me for more than ten years as I was figuring those things out. 

He’s somebody that helped actualize all of those ideas that I had in my mind and helped create a bit of my sound as a composer, I would say. And he’s also somebody who is a very, very hard worker and puts in a lot of work and effort on his own time. And so there’s been times where I’ll be working on things and he’ll come back with other ideas of how to approach playing it on the drums. 

When it came to choosing people for the album, the people over at Posi-Tone Records, who were so gracious to allow me to record with them, were planning to pair me with an older rhythm section. People that would know how to support,accompany, build you and lift you up. And I was all for it.

The funny thing was, there was actually a miscommunication with the initial drummer on the album, who is also a good friend of mine, but he wasn’t able to make it. 

Funny thing, the day before, I had a rehearsal with Zach and another good friend of mine, Marty Jack, and we just went through a bunch of the music, and Zach sounded so good, that in my head, I was like, “man, it would be great to just have Zach on this. He already knows most of our music”. 

And at that point, it kind of helped with Boris, who is an incredible bass player. Sometimes when you have somebody who is new to the group, where you have two other guys who are already good with the music, you kind of just fit right in. It’s easier to just get in where you fit in, because now, I just kind of have to listen.

So that was really helpful. And that was my first time playing with Boris, and he sounded amazing. He’s been on a bunch of recordings that I’ve listened to before as well, in both Posi-Tone and the Mingus Orchestra for some time now, too. So I’ve been seeing him around quite a bit. It was kind of a no-brainer. He has such a beautiful, big sound that was very supportive and helped a lot to uplift everybody.

DS: As a young musician that comes from the tradition of jazz, I would like to get your input regarding the current state of improv music. As streaming services have become curators of music for a lot of people, I find that the most streamed jazz playlists that claim to showcase “State Of Jazz”, have a grouping of artists whose lineage to traditional jazz music is a bit clearer (Samara Joy, Emmet Cohen, Walter Smith III, etc), and jazz influenced artists that delve in cross genre exploration that appeal to younger audiences (Badbadnotgood, Domi & JD Beck, Kamasi Washington, etc). But the monthly stream average between these two groups is quite significant. What do you think about this phenomenon, and how does it affect relevance today and the future of jazz improvisation? 

LSA: I think that as far as the direction of music, every music is always going to be pulling from other influences. I think that regardless of what genre of music it is, I think that there’s always going to be this dismerging of influences from other styles of playing, other genres of music.

One thing I believe and personally don’t agree with, is thinking that we have to do something to appeal to younger audiences intentionally. My mindset and the way I understand it is, if it’s good, it’s good. Even when it comes to straight-ahead music, we have this understanding that is something that appeals to older audiences.

But then if you look at a lot of the golden age of this music, and the impact the musicians had, from Charlie Parker to John Coltrane, into Miles Davis, to Bud Powell, Earl Hines, Willie ”The Lion” Smith, Teddy Wilson, these musicians were young when they were changing the direction of music, Herbie Hancock, Chick Corea. And their relevance lasted for so long. Miles Davis was relevant into the 90s, Herbie Hancock is still relevant! And you can trace stuff back to the early 60’s. All of these people, they’re just dope. They’re just great musicians, and they put out really good music.

I believe that any artist, at any stage of their development, one of the primary focuses should always be to create art that is true to yourself, true to your story, and that you should be also considering where do I want to go with this as well.

Luther S. Allison

There’s always going to be young people who are interested in bebop and hard bop, jazz and jazz fusion. I don’t think that we have to say, in order to make this relevant, or acceptable to a younger audience, I gotta put some Meek Mill in there, I gotta put some Young Dolph in there, or Summer Walker. Even if those are all artists I like listening to. 

And if you choose to do that, I think it should be something that’s an honest, artistic decision. This is something that I’m genuinely hearing, So that’s why I choose to input that into my music. If you really like the 40’s, and you really want what you’re doing now, to sound like that, and how it would sound in today’s world, then I’m sure there’s gonna be somebody who likes it.

I think that ultimately, the goal should be to make good music, and to make honest music, to make honest art, even beyond just music. To be true to yourself, and what you’re composing, performing, whatever you’re doing, and to just put it out there.

For me personally, and maybe this will change, as I just turned twenty nine a few weeks ago. Maybe when I’m fortynine, I might be more intentional about appealing to an audience. And maybe that’s one of the privileges that I have as a younger musician is, people don’t really know who I am, so they want to see what I’m doing. As opposed to maybe somebody who’s older, where there might not be the same enthusiasm, or excitement to hear what they’re doing. 

And of course, we have to make a living. So that’s where I feel a lot of other things can come into play. To be able to appeal to a bigger audience, in order to make a living off of this. Because I don’t want to have to have a day job , that might be taking me away from what I want to do. So that brings a lot of other things into question.

But like I said before, and I really stand on it, I believe that any artist, at any stage of their development, one of the primary focuses should always be to create art that is true to yourself, true to your story, and that you should be also considering where do I want to go with this as well.

DS: And one of the things related to this question, is that you find both these artists playing in jazz festivals, but not maybe in mainstream music festivals. Does sharing that same space ultimately contribute to creating a larger audience of people interested in jazz? Or can it become a situation in which popularity demands a specific offering?  

LSA: One of the issues that I hear a lot of jazz musicians talk about, and when I say jazz musicians, I’m saying musicians who are maybe playing and dealing more with “the swing” is: you see a jazz festival, and there aren’t many people who are dealing with the swing groove. 

So now you say: “Oh well, maybe this will bring more attention to jazz”, but what it’s actually doing, is giving the listener a different definition of what that music is, or what that word is. So then you see “jazz”, and you start to associate it with something else.

For me personally, I do associate jazz fairly strongly with a swing groove, i think that there could be a lot of things that are jazz influenced, but i feel that the swing beat, the riding cymbal beat, and the interpretation of the triplet and the 8th note, is something that is very specific to jazz or black American music. 

It ‘s tough. I think that lines end up getting blurred. I feel like swing musicians may feel a little bit more excited when we see another swing musician play at another festival, that maybe it is advertised as a “jazz festival” and there’s not much swing at all. 

But then, when you actually see somebody come swinging on it, it’s like, finally!, a jazz festival that’s honoring its roots, instead of a jazz festival and you don’t really hear any of that history of the music. I personally would like to hear more of that, and different interpretations of that within the world of that groove at festivals that are claiming to be jazz festivals.

I think that’s a serious issue in the music world at this very moment. Popularity has successfully beaten out legitimacy for quite some time now.

Luther S. Allison

There are certain artists that you’ll see and, you know, it can get dicey, and I feel like it brings up a lot of other things. How is the person advertising themselves? How are they being advertised and presented?. And then you get into the streaming platforms, and what playlists are they on? Who are their listeners?. 

I feel like what you’re seeing more of, is popularity beating out legitimacy. I think that’s a serious issue in the music world at this very moment. Popularity has successfully beaten out legitimacy for quite some time now. And so now we’re seeing, and I don’t want to put this on the entire generation, but you’re seeing a lot of musicians in my generation and the generations to come, who are now seeking out popularity. And not putting the same emphasis on legitimacy. 

That kind of goes back to what I said before. If it’s good, you’re going to have a crowd. You don’t have to worry about Instagram followers and streams and all this other stuff. If you just play the hell out of your instrument, and you do a really good job, and you have a lot of vision and you know how to select a band, I think that’s what Miles Davis did and that’s what sustained him for so long. And helped him to have such a beautiful career for years. 

Aside from any of his personal stuff, you have somebody who has deeply studied the music, that had their own personal limitations, but understood how to navigate those limitations and to present it in a fashion to where you end up developing an audience and you have a strong vision for what you want to do and you don’t care about what anybody else is saying. I think he’s the perfect example. Stevie Wonder is another. 

DS: Going back to the influences of this project, I thought we could take a moment to discuss the influence and relevance of Stevie Wonder. Although being one of the most important musicians of the second half of the 20th century and enjoying international success, I still think he’s not talked about enough internationally as he deserves.  Can you please talk about your decision to cover “Knocks Me Off My Feet”? And what’s your connection to Stevie Wonder’s music?

LSA: That was actually something through the inspiration of Marc Free who’s one of the owners of Posi-Tone Records. He was talking to me and said: “We’d love for you to record a piece of something that maybe you don’t hear in certain contexts, but it’s something that you’ve listened to a lot. Whether you want to make it swing or personalize it in any way that you would like to”.

And for me, one of the artists i grew up listening to a lot, was Stevie Wonder. And he has such a unique sound, harmonically, on the keyboard, synth bass, harmonica, vocals. He has such a distinct voice, Stevie is somebody who’s he’s really a genius. He explores so many textures, keys, in all of his pieces. And it’s something that still inspires me, challenges me, and holds me accountable to this day.

DS: Moving on to other projects you are working on. We are big fans of Maggie Gyllenhaal and we know you are collaborating in her new movie The Bride. Is there anything you can disclose from this project, your involvement in it, and the process of providing music for it? 

LSA: I was contacted by one of the music producers of the movie. And it’s The Bride of Frankenstein produced and directed by Maggie Gyllenhaal. It’s going to come out maybe in October of next year. They were looking for a bunch of musicians in New York City to be musicians in the movie. We weren’t going to have any lines or anything, just to be in it, which was a cool opportunity. 

And I remember a few days before the shooting, they reached out and said: “Hey, we need some songs recorded”. Somebody else had recorded the music and they just weren’t really pleased with how it came out. And they ended up asking us to record a couple of songs.

So it was a beautiful experience. We ended up going into the studio and it’s a period piece kind of in the 20’s, so I’m dealing more with stride piano and that sound. So it was beautiful just being able to play a character in the movie to also have a small part in the music.

In any setting I do my best to find the freedom in it and I feel like the freedom really comes through your comfortability with whatever you’re doing or playing. So they gave me the music i think it was a day or two before the recording session and it was only two two or three songs maybe. I just learned the arrangement and that allowed me some more freedom within it. 

Because especially that music wasn’t meant to be played exactly like the written recording. There’s a lot of specific parts to the arrangement that need to be done and to be heard so that you’re able to put some individual feelings into that, but also you can find some pockets within it to where I have the openness to express myself.

DS: To finalize. Is there anything else you are currently working on that you want to share with us?

LSA: I’m actually in the middle of composing a piece for Jazz at Lincoln Center Orchestra, which I’m super excited for. That’ll be premiered January of next year. An original composition in the style of Cool Jazz for their concert, so that’s going to be great. And I’m also doing a three-month tour next year sponsored by Jazz at Lincoln Center focused on the music of New Orleans. So we’re doing a forty-city tour around the United States. 

And I’m also working on my second album. Through all of these people, I’ve been able to find my tribe by Island to College. And I’ve been able to start to build with all of them and develop a sound. I’m really happy with the first album, and now I want to lock into a consistent group. So hopefully by the fall or winter of next year, I can get into the studio, start recording the second project and release it soon after.